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Madonna la Reyna del Pop: 40 años escandalizando

La artista, que cumplió el pasado 16 de agosto 64 años, celebró cuatro décadas de indómita carrera con un disco y con su innegociable lucha por retorcer la moralidad impositiva.

La cuenta de Instagram de Madonna tiene fama de ser un tobogán emocional para el fisgón digital. No decepciona. Madonna llorando; Madonna borracha; Madonna bailando twerking con Maluma; Madonna filmando cómo su familia realiza una coreografía mientras cocina; Madonna besándose con Britney Spears en la boda de esta; Madonna enseñando un pecho; Madonna abierta de piernas con un texto que dice: “Tengo algo para ti”…

Suma pocos seguidores la cantante (18,4 millones) si se comparan con estrellas de generaciones posteriores como Beyoncé (273 millones), pero ofrece mejores estímulos: el ver a una estrella del pop que lo ha sido todo (gracias a ir más allá en lo moral y en lo artístico) luchar por no convertirse en un personaje simplemente simpático. Madonna cumplió 40 años en el mundo de la música y todavía ninguna estrella pop ha demostrado ser más subversiva y provocadora que ella. Lo hace publicando un disco de remezclas que resume su carrera, Finally Enough Love: 50 Number Ones (a la venta el 19 de agosto), cumpliendo 64 años (el 16 de agosto) y acelerando la puesta en marcha de una película que cuenta su vida, la verdadera.

La utilización tan enloquecida que realiza la cantante de su Instagram funciona a la perfección como simbolismo de una trayectoria que ha padecido el escrutinio mundial desde que la artista comenzó en la música, allá por 1982, con 25 años. Seguramente Madonna ha sufrido todos los acosos posibles que una estrella del pop puede soportar: sexual, críticas a su físico, machismo, clasismo; acusada de antirreligiosa, sacrílega, apropiacionismo cultural, impostora por la utilización de playback en los conciertos, antipatriota, hereje, financiadora de una supuesta secta (la Cábala), obsesionada con la juventud… Sí, siempre ha ido demasiado lejos en todo, y eso, siendo una mujer y además proveniente de la calle, no se le ha tolerado. En los ochenta quemó crucifijos en el vídeo de Like a Prayer; en los noventa publicó un libro, Sex, con las imágenes más explícitas sobre homosexualidad y fetichismo jamás exhibidas por una estrella; en los 2000 se dio un apasionado beso con Britney Spears en una gala de unos premios ante millones de personas que lo seguían por televisión… y hace nada (el 23 de junio), en la fiesta del Orgullo de Nueva York, prefirió la lascivia de un profundo morreo para presentar a su nueva amiga, Tokisha, la dominicana de 26 años que empezamos a conocer porque Rosalía compartió con ella canciones como Linda o La Combi de Versace.

En una persona tan obsesionada con petarlo continuamente debe de ser frustrante no calar entre los jóvenes de 2022. Por ahí, y por la siempre búsqueda de lo último, de no quedarse con un pie atrás, viene su exhibición con Tokisha y su anhelo por trabajar con el mayor talento del hip hop actual, Kendrick Lamar, como confesó hace una semana en el programa de Jimmy Fallon. Le queda un consuelo a Madonna: seguramente muchos adolescentes de hoy ignorarán siempre la trascendencia de los Beatles. Aunque no creemos que a Paul McCartney le importe ya mucho eso.

Madonna lleva 40 años de provocación meditada. Entremedias ha grabado buenos discos con una voz limitada. Ella misma ha confesado que el mayor reto de su carrera fue su preparación para la película musical Evita (1996), donde tuvo que trabajar duro con los mejores profesores de canto para que sus capacidades vocales estuvieran a la altura. En cuatro décadas ha publicado 14 álbumes, al menos cinco de ellos esenciales: los dos primeros (Madonna, 1983, y Like A Virgin, 1984), llenos de perlas que definen el pop bailable de los ochenta, canciones que sentaban estupendamente tanto en el gimnasio como en las discotecas, temas aún hoy excitantes como Holiday, Everybody, Lucky Star, Material Girl, Like a Virgin o Dress You Up; por supuesto, Like a Prayer (1989), seguramente su mejor trabajo, el que se escapa del contexto de los ochenta para trascender las siguientes décadas; Ray of Light (1998), de lo más valorado de su carrera en cuanto a textos, su gran obra de electrónica de vanguardia, tanto relajada como fiestera, acompañada por el productor William Orbit; y Confessions on a Dance Floor (2005), su reinvención, esta vez de la mano de Stuart Price, un lavado de cara de la música disco de los setenta y principios de los ochenta, actualizándola y sofisticándola, un camino de enorme influencia que ha llegado hasta la actualidad con Dua Lipa como ejemplo más claro. La artista siempre tuvo claro que la vía a la fama viene por el pastiche musical: coger de aquí y de allá sin que se note demasiado y decorándolo con aportaciones propias.

Madonna ha despachado 250 millones de discos y es la artista femenina más vendedora de la historia, lo que no está nada mal para una chica que nació en un suburbio de Detroit y que vio sacudido su mundo cuando con solo seis años perdió a su madre. Con 20 años se marchó a Nueva York para hacer lo contrario de lo que le dijo su estricto padre: se hizo modelo y al poco realizaba performances desnuda en tugurios punk como el CBGB. Cuando comenzó a trascender se encontró rodeada de hombres triunfadores como Prince, Michael Jackson, Bruce Springsteen, Phil Collins, George Michael o U2. Entre los 25 discos más vendidos de los ochenta, la década en la que arranca su carrera, solo se cuelan dos mujeres, ella (con Like a Virgin y True Blue) y Whitney Houston.

En este contexto testosterónico, Madonna utilizó como imagen su propia sexualización, y además desde el control que ella misma ejercía. No era un divertimento sexual para el público masculino; era una mujer poderosa y desafiante. Madonna creció escuchando a Stevie Wonder, Diana Ross y otros artistas de la Motown, aprendió a tocar la batería con los discos nuevaoleros de Elvis Costello, se bautizó como espectadora de conciertos en uno de David Bowie y se tomó su primera copa a los 30 años, tras su divorcio con el actor Sean Penn. Inquieta y curiosa, siempre buscó las compañías de artistas atrevidos, como Keith Haring o Jean-Michel Basquiat.

Pronto se dio cuenta de que vivía en un ambiente hostil que no estaba entrenado para tolerar a una mujer emancipada en la cima. En 1985, las revistas eróticas Playboy y Penthouse publicaron unas fotografías de ella desnuda, imágenes captadas en 1979, cuando la cantante no era famosa y se ganaba la vida posando sin ropa para fotógrafos. Uno de ellos aprovechó la fama de la cantante a mediados de los ochenta para vender esas imágenes antiguas. Madonna se tomó el incidente como un aviso. “Esa fue la primera vez que me di cuenta de lo que yo representaba. Y dije: ‘Idos a la mierda’. Están tratando de menospreciarme por esto. No voy a dejar que la opinión pública dicte mis propios sentimientos, no voy a disculparme por nada de lo que he hecho”, declaró en la revista Rolling Stone.

Para la historia queda el discurso contra el sexismo, el machismo y la misoginia que leyó cuando la publicación Billboard la nombró Mujer del Año en 2016: “Si eres una chica, tienes que jugar a su juego. ¿Qué juego? El que dicta que puedes ser bella, adorable y sexy, pero no te comportes como si fueras inteligente. No muestres que tienes opiniones propias. Puedes permitir que los hombres te traten como a un objeto y puedes vestirte como una prostituta, pero tú no eres la dueña de tus deseos”. Y luego añadió: “Para los que me negaron, para los que no me ayudaron, para los que dijeron que no podía, que no debería, que no tenía derecho… gracias, porque vuestra resistencia me hizo más fuerte. Me convirtió en la luchadora que soy hoy. Me hizo la mujer que soy hoy. Así que, por ello, gracias”.

Porque Madonna, más que una estrella del pop, es un concepto. Ese que significa rebeldía, indisciplina y luchadora a la contra. Por eso es musa LGTBI y referente de las que llegaron después: Britney Spears, Katy Perry, Christina Aguilera, Rihanna, Miley Cyrus, Taylor Swift, Pink… También para la diosa del pop actual, Beyoncé, que recientemente ha publicado una versión de su sencillo Break My Soul fusionado con el éxito de Madonna de 1990 Vogue. “Tremendamente agradecida por que hayas querido colaborar conmigo. Has abierto tantas puertas para tantas mujeres… Eres una obra maestra”, publicó Beyoncé sobre Madonna en sus redes sociales.

Hace tres semanas la cantante ofreció una entrevista a la publicación Variety donde anunció que dirigirá la película sobre su vida (hará de ella Julia Garner). Y lo argumentó: “Hay mucha gente tratando de hacer películas sobre mí. En su mayoría hombres misóginos. Así que puse mi pie en la puerta y dije: ‘Nadie va a contar mi historia, excepto yo”. Una vez más, Madonna siendo Madonna.

FUENTE : El País

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Elton John lucha contra el coronavirus y cancela conciertos programados

El cantante británico Elton John lucha contra el coronavirus y ha tenido que cancelar conciertos. Esto es lo que ha revelado sobre su estado de salud.

Elton John ha tenido que cancelar conciertos tras dar positivo al coronavirus, reporta el diario The New York Post. El cantante reveló en su página web que dio positivo a Covid-19 y se ve obligado a cancelar dos conciertos en Dallas esta semana. El intérprete de “I’m Still Standing”, de 74 años, tenía dos shows en el American Airlines Center en Texas como parte de su gira Farewell Yellow Brick Road.

Un mensaje en su página web da más detalles sobre su salud. “Afortunadamente Elton está completamente vacunado y se puso el booster (la vacuna de refuerzo) y está experimentando síntomas leves”.

Además se anunció que los fanáticos que hayan comprado boletos para estos conciertos, deben retener sus tickets para que puedan asistir al show una vez se anuncien las nuevas fechas en esta ciudad. El mensaje añade que Elton John tiene muchas ganas de volver al escenario. El cantante tiene otros conciertos pautados en Little Rock, Arkansas, y Oklahoma City el sábado y domingo.

El cantante de “Tiny Dancer” dijo que odiaba cancelar presentaciones, pero su intención era cuidar su salud, y cuidar la salud de su equipo y sus fanáticos. La estrella británica tuvo que poner pausa a su gira cuando empezó la pandemia.

Tras someterse a una cirugía de cadera en enero tras una alarmante caída, Elton John estaba feliz de volver a cantar en vivo, y tuvo un gran show en Nueva Orleans el 19 de enero.

Sus fanáticos siguen pendientes de la salud del ícono musical y lo han llenado de buenos deseos.

People

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AC/DC: “En vez de estar viendo TikTok, espero que este álbum haga que los jóvenes se compren una guitarra”

Los integrantes de AC/DC hacen un pedido especial para que existan más bandas de rock con temas propios.
La emblemática banda AC/DC se encuentra a puertas de lanzar su nuevo disco llamado Power Up, del cual se desprende el primer sencillo llamado “Shot in the dark”.
Durante una entrevista con NME, Brian Johnson y Angus Young hablaron sobre su nueva producción que ha emocionado a sus millones de fans en todo el mundo.
El vocalista y el guitarrista sorprendieron con sus declaraciones al señalar cómo han cambiado las generaciones con respecto a la música, sobre todo con el rock.

Brian Johnson hizo un pedido especial a todos sus seguidores para que se inclinen a aprender tocar instrumentos musicales y dejen a un lado la aplicación TikTok.

“En vez de estar viendo a los bailarines en TikTok, espero que este álbum haga que los más jóvenes se compren una guitarra, aprendan los riffs y descubran el resto”, comentó el vocalista.

“Sería muy bueno que nazcan más bandas de rock que compongan sus canciones y los toquen en el escenario”, agregó Brian Johnson.

Por su parte, Angus Young reveló que el nuevo disco de AC/DC está dedicado a su hermano Malcolm, quien falleció en noviembre de 2017 a los 64 años tras luchar contra una larga enfermedad.

“Su muerte nos entristeció, pero creo que está ahí cuando tocamos. Suena divertido, pero siento que me comunico con él cuando toco la guitarra”, refirió.

Como se recuerda, AC/DC tuvo varios cambios tras la muerte del fundador Malcolm Young. Luego de algunos años, el nuevo disco está formado por Brian Johnson (voz), Phil Rudd (batería), Cliff Williams (bajo), Angus Young (guitarra) y Stevie Young (guitarra).

Fuente: La República

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Shannon Hoon: se cumplen 25 años de la muerte del vocalista de Blind Melon y joven promesa del rock

El músico estadounidense Shannon Hoon lideró el grupo Blind Melon hasta su muerte a causa de una sobredosis en 1995, a los 28 años.

El último miércoles 21 de octubre se cumplieron 25 años de la prematura muerte de Shannon Hoon, líder y vocalista de la recordada banda Blind Melon, con la que tuvo un fugaz paso por el estrellato durante los años noventa, gracias al álbum homónimo de la banda (1992), Soup (1995) y Nico (1996).

A sus 28 años, Shannon Hoon ya se había convertido en una de las jóvenes promesas del rock and roll. Sin embargo, una vida de excesos provocó que la voz detrás de “No rain” se apagara para siempre, solo un año después de que la estrella del grunge Kurt Cobain se suicidara a los 27 años.

El fanatismo de Shannon Hoon hacia el líder de Nirvana era sabido entre sus más allegados y, tras el suicidio quedó devastado, pues no llegó a conocerlo. Con quien sí llegó a entablar una amistad fue Axl Rose y hasta llegó a realizar colaboraciones vocales en las grabaciones de los temas “Live and Let Die”, “November Rain”, “The Garden”, “You Ain’t the First” y “Don’t Cry”.

Durante su adolescencia, Shannon Hoon destacó en los deportes debido a su hiperactividad, pero también era conocido en su localidad Lafayette, Indiana, por haber sido arrestado en más de una oportunidad. Los problemas del brillante joven se hicieron mayores cuando se inclinó por la música. A los 17 años integró la banda que tocaba covers de los Guns N’ Roses, para luego integrar Styff Kytten.

Debido a sus problemas con la justicia, Shannon Hoon se mudó a Los Ángeles, donde conoció a los músicos Brad Smith y Rogers Stevens, con quienes luego formaría Blind Melon. Por esos años también entabló amistad con Axl Rose.

En 1992, Blind Melon ya era una realidad y debutó con el álbum que lleva el mismo nombre de la agrupación. Pese a que no tuvo un éxito significativo, el tema “No rain” logró posicionarse en las emisiones de la MTV y esto les alcanzó para telonear a artistas como Ozzy Osbourne y Soundgarden.

La fama y popularidad llegaron para Blind Melon y sus integrantes empezaron a aparecer en portadas de importantes revistas y diarios, sus discos se empezaron a vender y comenzaron las giras. La noche del 20 al 21 de octubre de 1995, la banda se trasladaba de Houston a Nueva Orleans y en este trayecto Hoon consumió cantidades exageradas de cocaína hasta provocar su fallecimiento.

El joven vocalista fue enterrado en Dayton, Indiana y en su lápida se pueden leer algunos versos de la primera canción que compuso: Change, con un videoclip y letra que invita a la reflexión de la vida.

Fuente: La República

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Fallece Eddie Van Halen, legendario guitarrista de rock, a los 65 años

El miembro fundador de la banda Van Halen perdió la vida en un hospital de California luego de padecer de cáncer de garganta.

Eddie Van Halen, leyenda del rock e integrante de la famosa banda Van Halen, perdió la vida este 6 de octubre a los 65 años, según información publicada por TMZ.

El medio indicó que el músico falleció en el St. John’s Hospital de Santa Monica y en presencia de su esposa e hijos. Además se informó que días atrás, los doctores descubrieron que el cáncer de garganta que padeció se había expandido a su cerebro.

Edward Lodewijk Van Halen, más conocido en el mundo artístico como Eddie Van Halen, fue un destacado guitarrista de raíces neerlandesas y estadounidenses. Además, uno de los miembros fundadores de la legendaria agrupación de hard rock Van Halen.

El músico fue diagnosticado con cáncer en el año 1999, por lo cual tuvo que ser operado un año después. Desde entonces fue sometido a diversos tratamientos para frenar el avance de la enfermedad; sin embargo, no desistió en su carrera musical y siguió asistiendo a diversas presentaciones junto a toda la banda.

En los últimos años, viajó constantemente de Estados Unidos a Alemania para atravesar terapias de radiación.

Eddie Van Halen fue uno de los guitarristas más destacados de todos los tiempos. Incluso fue nombrado entre los diez mejores según la lista de la revista Rolling Stone, ocupando el octavo lugar.

La república

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Biografia: onoce mas de Ray Parker Jr / Raydio – Ghostbusters

Cantante, autor, productor. multiinstrumentista (domina bajo, batería, guitarra, teclados, sintetizadores y se dobla en los coros), Ray Parker se inicio profesionalismo como músico de los hilanderos al lado de Ollie Brown, Hamilton Bohannon y Michael Hederson entre otros. Durante un tiempo acompañado de muchos de los artistas de Motown, entre ellos Stevie Wonder, Temptations y Gladys Knight & The Pips. Marvin Gaye fue el primero en grabar una de sus canciones. Posteriormente Ray se unio al sello Invictus / Hot wax, formado por Holland- Dozier- Holland al dejar Motown. Como guitarra intervino en una importante relación de éxitos (Band of gold, Want ads, Dame un poco más de tiempo, etc.) y en 1972 Stevie Wonder le llamo para su gira europea, grabando con sus obras básicas. Talking Book e Innervisions.

Afincado en los Angeles, Seguio grabando como musico de sesion aparecio en los creditos de discotecas de Boz Scaggs, Barry White, LaBelle y muchos otros interpretan. Como autor, comenzó a revelarse con Obtuviste el amor para Rufus y Kepp en Herin Hancock (nominada para el Grammy). Finalmente decidio concentrarse en su propia carrera y formo el grupo Raydio, aunque sus grabaciones estan cantadas, arregladas, producidas y ejecutadas en todos sus instrumentos por el mismo, salvo ayudas diversas de otros musicos, siendo tambien el ingeniero de grabacion y el arreglista. Raydio (78) y Rock on (79) son las obras que señalaron su fulminante aparicion y exito, completadas por el single No puede cambiar eso. En 1979, Ray intervino en el festival No Nukes, incluido en el triple LP del concierto.

Su carrera artistica se afianzo con los albumes. Dos lugares al mismo tiempo (80) y A woman just love (81), tras los cuales Ray abandono “la idea” de Raydio para grabar bajo su propio nombre. Parker obtuvo un exito muy amplio con La otra mujer (82) y con la recopilación Lo mejor de Ray Parker Jt (82).

 

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Eric Clapton, una guitarra entre el cielo y el infierno

Ya en la primera frase de sus memorias Eric Clapton asegura que desde el principio de su vida tuvo la sensación de ser una persona “diferente” a las demás. Al menos, el primer palo que recibió estaba fuera de lo normal: aquel niño se enteró después de unos años de sus padres eran en realidad sus abuelos y su hermana era su madre. Tras eso, el “pequeño bastardo”, tal y como le llamaba su tío, pasó la niñez y la adolescencia encerrado en sí mismo. Su madre se terminó yendo de casa, su padre nunca apareció y su único consuelo en el entorno pobre y aburrido de la localidad de Ripley, al sur de Londres, fue el blues, que, como tantos chicos de su generación, conoció por los programas de radio nocturnos.

El blues entró en su vida y ya nunca le abandonó. Fue la primera de muchas obsesiones que acompañarían al espléndido guitarrista y que son relatadas en Clapton. Autobiografía, un libro publicado en español por Neo Sounds (traducción de Puerto Barruetabeña Diez) ya la venta del 9 de septiembre. No son las típicas memorias de batallitas, aunque en sus casi 400 páginas se acumulen varias escenas de sexo, drogas y rock and roll, como esa fiesta a mediados de los sesenta en la mansión de Hurtwood en la que Clapton cuenta que, rodeados de algunos Rolling Stones y otras figuras musicales, casi se vuelven un juntar en su jardín para tocar los cuatro Beatles —faltó Lennon— mientras el anfitrión acabó encerrado 24 horas en un armario.

Era Clapton diferente y obsesivo desde que quedó maravillado por pioneros del blues del Mississippi como Big Bill Broonzy y Robert Johnson. Durante la década dorada de los sesenta, Mano lenta —apodo que perdió por el tiempo que tardaba en cambiar las cuerdas que rompía de la guitarra en los conciertos frenéticos— no halló nunca una identidad propia, ni un sonido definitivo, ni una sola estética determinante , como sí sucedió con colegas como Bob Dylan, los Beatles, los Rolling Stones o Jimi Hendrix, amigo íntimo que, en el mejor momento de Clapton con el supergrupo Cream, le adelantó por la izquierda. “Por desgracia para nosotros, Jimi acababa de sacar ¿Tienes experiencia? y eso era lo único que quería escuchar a la gente.A través de su autografía, entiende que, al igual que tenía serias dificultades para las relaciones sexuales desde el humillaron en el colegio, costaba permanecer mucho tiempo en un proyecto musical, algo que a la larga perjudicaría a aquel prodigio de la guitarra para ser un Gran referencia de la contracultura.Fueras donde fueras todo era Jimi, y eso me deprimió mucho ”, confiesa Clapton.

Reconoce Mano lenta cierto síndrome del eterno segundo, pero aún más el mismo tipo al bautizo “Dios” en la escena londinense en los primeros compases de su carrera nunca estaba satisfecho con nada. Tozudo y “demasiado purista”, dejaba grupos excelentes como los Yardbirds y John Mayall y sus Bluesbreakers en cuanto se desviaban un poco de su fanatismo blues o abandonaba bandas de impacto mediático y comercial como Cream o Blind Faith por falta de interés. Clapton era una sangre pura de la guitarra, pero no encajaba en su época, hasta el punto de la beatlemanía le parecía “terrible” y demostraba “lo aborregada que estaba la gente”.

Tampoco encajaba en su vida. Tanto como al blues se enganchó al alcohol, la cocaína y la heroína a medida que fue escalando en su carrera, que en los setenta empezaría en solitario. Inquieto siempre artísticamente, el guitarrista tenía habilidad para elegir canciones de otros —Bob Marley, Bob Dylan, Jimi Hendrix o JJ Cale— y convertirlas en sus propios éxitos, pero su deprimente vida narcotizada le impedía idear grandes obras en conjunto. En solitario, cuesta hallar un álbum suyo absolutamente redondo, incluso 461 Ocean Boulevard y No Reason to Cry, que contiene un espíritu muy atractivo, hijo por su creador como trabajos donde “se ve lo borracho que estaba”.No puedo decir lo mismo de la formidable y desgraciadamente breve asociación con Derek y The Dominos, de donde salió en 1970 un disco magnífico y Layla,

La monumental belleza de este lamento camufla la preocupante obsesión de Clapton por la mujer de su gran amigo. En sus memorias, el guitarrista refleja su desesperación, llegando incluso al acoso, como cuando la amenazó con seguir inyectándose más heroína hasta matarse si no se iba con él y dejaba a Harrison. Unos años después, Pattie Boyd al final se separó del beatle —fan de los escarceos sexuales con otras mujeres— y se unió a Clapton, que, después de tanto, acabaría destruyendo su matrimonio con ella por culpa de su alcoholismo. En el libro, el autor de Layla hace un sincero ejercicio de reconocimiento de culpa por su comportamiento con la mujer de su vida, y con tantos que le rodearon cuando empezaba el día desayunando tres whiskys.“En los peores momentos de mi vida, la única razón por la que no me suicidé fue porque sabía que, si estaba muerto, no podía beber. Era la única cosa por la que merecía la pena vivir ”, asegura.

Después de pasar por desintoxicación en dos ocasiones durante los ochenta, cuando menos inspirado estuvo musicalmente, a Clapton, que ya tuvo tres años sin beber, le esperaba en 1991 su peor desgracia. La muerte de su hijo Conor. El pequeño de cuatro años se cayó desde un piso 53 de un rascacielos de Nueva York. Su recuerdo fue detonante de Tears in Heaven, la composición por las que más premios recibidos Clapton, quien en sus memorias no incide mucho en el dolor de aquellos años y sí en la fuerza que halló en la música, la oración y la rehabilitación para recuperar la estabilidadRemata su autobiografía con la posibilidad de redención, esa que, en los peores momentos de su existencia, bajo un remolino de obsesiones, Mano lenta ofreció a los demás a través de los deleites y llantos de su guitarra irrepetible.
El pais

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Elton John, una historia de excesos y adicciones

Inmerso en su gira de despedida, el cantante británico produce un ‘biopic’ sin censura sobre su viaje al éxito
“Va a ser un viaje salvaje”, dice la voz en off en el recién estrenado tráiler de Rocketman, el filme sobre el ascenso a la fama de Elton John que se estrenará en mayo de 2019. La distribuidora de la cinta la define como “una fantasía musical épica que narra la historia personal y sin censura de los años que hicieron famoso a Sir Elton John”, y el actor principal, Taron Egerton, también ha declarado que no será una película biográfica al uso, lo que queda patente en una escena del adelanto de la cinta en la que todos acaban levitando. Otros fotogramas —John destrozando una habitación en pleno ataque de furia, John llenando un vaso de alcohol, o John con máscarilla de oxígeno en la camilla de un hospital— hacen pensar que el filme, pese a que David Furnish figura como productor y el propio Elton John como productor ejecutivo, no pasará de puntillas por su adicción al alcohol y las drogas. ¿Por qué iba a hacerlo? El músico, sobrio desde 1990, ha hablado de ello en numerosas ocasiones. En 2010 lo contaba así en el programa Life Stories: “Yo no me consideraba un drogadicto. Creía que esos eran los que se clavaban agujas en el brazo, pero en realidad yo era el mayor yonqui. Estuve muy cerca de morir”.

Aun así, hay muchas más luces que sombras en la vida de este solista, pianista y compositor inglés, que atesora una de las carreras más exitosas y longevas de la historia del pop. Nacido como Reginald Dwight en 1947 (Elton John era su nombre artístico, pero se lo cambió oficialmente en 1972), mostró por primera vez sus dotes para el piano a los tres años. En sus cinco décadas en la música ha ofrecido más de 4.000 conciertos, ha vendido 300 millones de discos, ha ganado seis Grammys, un Tony y un Oscar y, entre 1972 y 1975, colocó siete álbumes seguidos en el número uno. Su prolífica asociación con el letrista Bernie Taupin (se conocieron en 1967 cuando ambos respondieron al anuncio de una discográfica que buscaba compositores) es una de las muchas amistades que John ha cultivado en la industria (de John Lennon a George Michael, y de Eminem a Lady Gaga), aunque su lengua, a veces viperina (llamó a Keith Richards “mono con artritis” y a Madonna “stripper de feria”) también le ha supuesto más de un encontronazo.
La llegada de sus hijos, Zachary y Elijah, nacidos por gestación subrogada en 2010 y 2013, parece haber suavizado su carácter (también tiene diez ahijados, entre ellos Brooklyn y Romeo Beckham). Lo ha admitido incluso David Furnish, su marido desde 2014 –aunque llevan juntos desde 1993–. Considerado por muchos un portavoz de la comunidad gay (hasta Vladimir Putin lo llamó para emplazarle a una cita para hablar de los derechos LGTB), lo cierto es que el cantante no se declaró homosexual hasta 1988, justo después de que se rompiera su breve matrimonio con la ingeniera de sonido Renate Blauel. “Quería ser un buen marido sobre todas las cosas, pero al negar quién era realmente le causé tristeza a mi esposa, y una enorme culpa y arrepentimiento a mí mismo”, escribió hace unos meses en Instagram, donde acumula más de un millón de seguidores.

A principios de los 90, Elton John hizo de la lucha contra el sida su causa. Después de las muertes de Ryan White —un adolescente de Indiana que contrajo el virus en una transfusión y fue cruelmente discriminado— y Freddie Mercury, en 1992 estableció su fundación, que hasta la fecha ha recaudado más de 400 millones de dólares gracias a eventos como sus épicas fiestas en los Oscars o el White Tie & Tiara Ball que solía celebrar en su mansión de Windsor. Un empeño que compartió con la princesa Diana, la amiga que lo consoló en el funeral de Gianni Versace y que moriría, también trágicamente, pocas semanas después (2.500 millones de personas vieron a Elton John interpretar Candle in the Wind en su funeral por televisión). La relación con los hijos de Diana sigue siendo estrecha (John y Furnish acudieron a las bodas de Guillermo y Enrique de Inglaterra), y el cantante actuó en el concierto por el Jubileo de Diamante de la reina Isabel II, que en 1998 lo había nombrado caballero. También es uno de los hombres más ricos de su país, y su colección de arte y fotografía es tan apabullante que incluso protagonizó su propia exposición en la Tate Modern. Y, sin embargo, en una entrevista en 2016 aseguró que sus hijos solo reciben tres libras de paga: una para ahorrarla, otra para gastarla y otra donarla.
Además de por su película, Elton John está hoy de actualidad porque acaba de comenzar su gira de despedida de los escenarios, que constará de 300 conciertos en cinco continentes. El vestuario lo firma Gucci y, de hecho, el estilo extravagante del cantante en los 70 (con esos trajes brillantes, esas boas de plumas, esas gafas imposibles…) inspiró a Alessandro Michele la colección de verano 2018 de la firma. Rocketman no podía ser un biopic al uso, porque la vida en la que se inspira tampoco lo ha sido. Pero, a sus 71 años, Sir Elton quiere dedicarse a algo tan convencional como recoger a sus niños del colegio. “No quiero morir en la carretera —dijo a The Telegraph en 2016—. Quiero morir en casa, y quiero pasar un montón de tiempo con mis hijos antes de que eso pase”
El Pais

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Café Tacvba y Wendy Sulca cantaron juntos en concierto “Rock en Lima”

La vida le sonríe a Wendy Sulca. Y ella devuelve una sonrisa que conquista a los más escépticos. Así pasó ayer en el estadio Monumental de Ate, donde ante más de 30 mil personas, Wendy Sulca brilló cantando al lado de Café Tacvba.

El concierto del grupo mexicano transcurría con normalidad y alegría -hay que ver a esta banda en vivo para entenderlo-, hasta que Rubén Albarrán, vocalista de ‘Cafeta’, se dirige al público para anunciar a una invitada muy especial.
“¡Le damos la bienvenida a Gonzalo y Wendy Sulca!”, grita Rubén mientras aparece una pequeña en físico, pero gran artista en el escenario. Wendy está acompañada de Gonzalo Calmet, músico y compositor de algunas temas de la cantante peruana. Wendy saluda a todos y comienzan con lo suyo. “Olita del altamar”, es el tema de los mexicanos suena en la voz de Rubén y Wendy, y en el charango de Gonzalo. La canción fue bien recibida por el público que ayer se dio cita para el festival en el que también participaron Vicentico y Maná.
La historia entre Café Tacvba y Wendy Sulca no es nueva. De hecho, el vocalista de la banda mexicana, Rubén Albarrá, está co-produciendo el tema “Siempre podemos bailar”, dueto que formará parte del tercer álbum de Wendy, que será lanzado en 2019.

Veintidós años, a punto de sacar su tercer álbum de estudio. La estrella peruana de YouTube prepara su nuevo disco pero mientras tanto crece. En los números del internet sí, pero también en una carrera en la que cada vez va ganando más gente que conoce y gusta de su música.

elcomercio

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‘In My Life’ la compuso Lennon y no McCartney, según las matemáticas

¿Quién escribió la célebre canción In My Life? ¿John Lennon o Paul McCartney? Esta pregunta, que no solo enfrentó a los dos líderes de The Beatles, sino también a sus fans, por fin tiene una respuesta… matemática. “Hay un 98% de probabilidad de que haya sido compuesta por Lennon”, ha asegurado a este periódico Jason Brown, matemático y profesor en la Universidad de Dalhousie, en Halifax (Canadá), que se define a sí mismo como “un inmenso admirador” de la banda de Liverpool. Brown conoció hace cuatro años a Mark Glickman, profesor de Estadística en Harvard y, como él, fanático de los Beatles. De este encuentro fortuito nació el deseo de conseguir lo que, hasta ahora, afirma, nadie se había atrevido a hacer: crear un modelo estadístico capaz de aclarar la autoría de cualquier canción.

“Nos pareció importante determinar quién de los dos compuso realmente la canción y, más aún, tratándose de un grupo como los Beatles”, explica Brown. Si bien, Lennon y McCartney solían firmar juntos la mayoría de las canciones de la banda —a excepción de las compuestas por George Harrison y Ringo Starr— sin diferenciar jamás quién de los dos había escrito la letra, o compuesto la melodía, el tema In My life, grabado en los estudios de Abbey Road en octubre de 1965, ha sido una de las pocas composiciones del grupo (junto a Eleanor Rigby) cuya autoría fue discutida por ambos tras la separación de la banda el 10 de abril de 1970. Paul McCartney sostenía ser el autor de la melodía de la canción, cuya letra, escrita por Lennon era, según su biógrafo y amigo, Pete Shotton, una referencia clara a la muerte con tan solo 21 años del primer bajista de los Beatles y excompañero de piso de Lennon, Stuart Sutcliffe, víctima de una hemorragia cerebral en 1962.

Lennon nunca aceptó la versión de McCartney. Incluso llegó a afirmar en una de las últimas entrevistas, concedida a la revista Playboy antes de su asesinato, en 1980, que el bajista le ayudó solamente con el middle 8 (parte de la canción que une una estrofa con otra) en este tema del álbum Rubber Soul, reconocible por el solo de piano barroco que introdujo el quinto Beatle, el productor George Martin. Para resolver este enigma, Brown y Glickman han adaptado a la música la estilometría, técnica que permite determinar quién es el autor de un texto a través del análisis estadístico con el que se identifican las características de la escritura de cada persona.

Los matemáticos analizaron durante seis meses y “a mano” 70 canciones de los Beatles, compuestas entre 1962 y 1966 (desde el álbum Please Please Me a Revolver) basándose en cinco criterios: las notas utilizadas, las secuencias de dos notas, los acordes, las secuencias de dos acordes y los contornos melódicos (cuando las notas suben o bajan); a los que se sumaron más de otras 140 subcategorías.

El modelo, que según Brown “tiene un 80% de fiabilidad”, no tiene vocación a limitarse a este experimento, presentado durante una conferencia en Vancouver (Canadá) el mes pasado. “Se trata de una herramienta fundamental y, más aún, con el paso del tiempo, que es cuando la memoria se borra”, cree el matemático, que ya en 2004 publicó un estudio en el que aseguraba haber resuelto el enigma que rodeaba el primer acorde de la canción A Hard Day´s Night (Jason I. Brown, Mathematics, Physics and A Hard Day’s Night). Brown está convencido de que, además de determinar la autoría de cualquier composición, el modelo desarrollado también permitirá detallar “el peculiar sello de cada autor”. El siguiente reto de estos dos matemáticos es demostrar científicamente, utilizando este método, la importancia de la influencia de Bob Dylan en la obra de los Beatles.

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